Jogo de Cena

Em 2006 o documentarista Eduardo Coutinho colocou um anuncio no jornal convocando mulheres a compartilhar suas historias de vida para a lente de uma câmera. Historias essas que seriam encenadas por atrizes traçando assim um paralelo entre o real e o fictício. O resultado é o documentário “Jogo de Cena”.

Os depoimentos foram colhidos pelo próprio Eduardo Coutinho que assume aqui a postura de entrevistador utilizando-se de um ambiente naturalmente neutro (o teatro Glauce Rocha no RJ) para criar um documentário pessoal e livre no processo criativo no que diz respeito às depoentes e as atrizes respectivamente.

A liberdade de criação que Eduardo Coutinho da a suas atrizes na hora de dramatizar os relatos das entrevistadas garante ao espectador a possibilidade de perceber nuances dramáticas e performáticas daquela atriz em questão que antes talvez passasse imperceptível.

Fatores como os dispositivos de criação dramática daquelas atrizes. Como elas fazem para atingir aquele ápice dramático e emocional naquela cena. E se o fato de se tratar de uma história real influencia no dispositivo de criação das atrizes. O componente emocional também é um fator bastante explorado por Coutinho tanto pelas depoentes quanto pelas atrizes. De forma bastante delicada, o diretor permite que a depoente reviva livremente aquele fato principalmente agora que ele é dramatizado. E quanto às atrizes Coutinho investiga o quanto dramatizar aquele fato que lhes foi contado mexeu com o seu emocional. Pois como todos sabem a matéria-prima do ator é a emoção. É daí que saem as respostas mais surpreendentes desde aquela que atua da forma mais visceral possível até aquela que se esforça para separar as emoções e não esboçar uma reação descontrolada.

De novo retornamos a questão do método de criação que por sinal é um tema recorrente que percorre todo o filme. O fato de o diretor proporcionar as atrizes um método livre de composição de personagem abrindo assim espaço para as mais variadas versões da mesma história e mais ele quer saber da própria atriz a sua visão daquele relato o que acaba por se tornar um aspecto interessante para o espectador de percepção da autoficção.

O detalhe de extrema importância no documentário é a montagem (ou a falta dela). Digo isso porque Coutinho começa intercalando um depoimento e uma dramatização de repente isso muda e ele começa explorar outras vertentes do mesmo esquema. De certo por ter consciência de que esse esquema poderia cansar a certo momento.

“Jogo de Cena” é um excelente documentário de Eduardo Coutinho que realiza aqui um trabalho primoroso de investigação da alma humana. “Jogo de Cena” vai além, pois abre espaço para uma discussão valiosa sobre o processo criativo e dispositivos de criação performáticos e cinematográficos que é de suma importância.

Se Beber Não Case Parte 3

O Bando de Lobos Ataca Novamente

Quatro anos após a última aventura na Tailândia Phill (Bradley Cooper), Stu (Ed Helms), Alan (Zach Galifianakis) e Doug (Justin Bartha) estão de volta à estrada. Dessa vez não há despedida de solteiro, mas isso não significa o fim das confusões, pois quando o “Bando de Lobos” coloca o pé na estrada tudo pode acontecer.

Após um segundo capitulo que deixou a desejar, a franquia “Se Beber Não Case” encontra ares de renovação ao retornar aos seus primórdios nessa terceira- e derradeira aventura.

O diretor Todd Philips estabelece um clima de dinamismo e frenesi constante ao filme- isso se deve em parte ao roteiro enérgico e frenético escrito por Philips e Craig Mazin. Phillips aproveitando a energia inserida no filme, trabalha bem os planos garantindo assim um aspecto livre ao longa permitindo que as situações se desenrolem de maneira orgânica á narrativa. O diretor conferiu uma agilidade natural aos takes utilizando-se de sobre e justaposições de forma a estruturar a viés cômico da narrativa. As situações sobre o comando de Philips se desenrolam de forma rápida e dinâmica assim os planos se sobrepõe em um ritmo frenético na primeira metade do longa, o que não impede o diretor de trabalhar bem as cenas e as situações, a opção de diminuir um pouco o ritmo na segunda metade do longa não prejudica a narrativa de nenhuma maneira.

 Pelo contrário, Phillips nos mantêm entretidos, ou melhor, vidrados no filme (e rindo muito, diga-se de passagem).  O ato de diminuir o ritmo permite ao espectador entrar em contato com o lado humano dos personagens especialmente Alan (Zach Galifianakis).

A montagem exerce aqui um papel importantíssimo. O de estruturar a narrativa de maneira coesa em meio ao frenesi narrativo em que o filme se encontra trabalhando como um poderoso aliado da direção de Todd Philipps.

Phillips, aliás, executa um excelente trabalho no que diz respeito à inserção de flashbacks sobrepostos sobre as cenas que aqui funcionam como uma espécie de tributo aos fãs da franquia além de refrescar a memória do espectador afinal faz quatro anos desde que o primeiro filme foi lançado.

O roteiro escrito pelo diretor em parceria com Craig Mazin demonstra ares de renovação. Phillip e Mazin encontraram o timming perfeito da comédia ao construir situações que por mais non-sense que possa parecer arrancam gargalhadas escrachadas dos espectadores às vezes de uma situação aparentemente comum. E o melhor, os risos acontecem de maneira natural e não de maneira forçada como no segundo filme. Eis uma evolução.

É uma pena que a música apareça timidamente nesse filme (e quando aparece destoa das situações), o filme poderia ter crescido muito com o acréscimo musical como pano de fundo das cenas.

O elenco arrasa mais uma vez. Bradley Cooper (Phill), Zach Galifianakis (Alan) e Ed Helms (Stu) esbanjam um perfeito entrosamento cênico sendo o trio dotado de um perfeito timming de comédia garantindo a graça do filme. Mas justiça seja feita, todos estão ótimos, mas, Zach Galifianakis rouba a cena com o seu Alan finalmente saindo da síndrome de Peter Pan. Os melhores momentos do filme acontecem por causa e através do Alan que é um personagem deliciosamente infantil, mas muito sábio nas mãos do excelente ator que é Galifianakis.

Se Beber Não Case 3 é uma conclusão épica e humana para a franquia de humor que infelizmente deixa seus fãs órfãos e com vontade de mais.

Sou Feia Mas Tô na Moda

O funk é um ritmo musical que veio das comunidades, das favelas. Contudo, sofre com o preconceito e tarja de vulgar e de que faz apologia ao sexo. Para acabar com esses preconceitos e tarjas que os mc´s carregam a cineasta Denise Garcia dirigiu o documentário “Sou Feia mas Tô na Moda” em que mergulha no universo do funk carioca em seu próprio território com o objetivo de dar voz a essas pessoas marginalizadas e quebrar tabus.

Ancorado por Deise Tigrona, o filme adentra a comunidade Cidade de Deus com o objetivo de desmistificar os preconceitos que rondam o universo do funk tais como a marginalidade e como dito acima se as músicas fazem ou não apologia ao sexo. Entretanto, uma questão maior e mais importante é levantada: Se essas mulheres que cantam sexo sem cerimônia seriam as representantes de um feminismo moderno.

A diretora Denise Garcia de posse da sua câmera nervosa acompanha a rotina desses mcs e moradores da Cidade de Deus no Rio de Janeiro assim contextualizando o terreno de onde versos marginalizados (porém escutados em qualquer classe social foram criados).

Denise fez duas escolhas que foram essenciais para o sucesso do seu documentário. Primeiro: colocou a funkeira Deise Tigrona como ancora fato esse que ajudou a “quebrar o gelo” entre os outros mc´s moradores da comunidade e garante ao filme um aspecto muito pessoal e próximo do espectador. Segundo: A “Sujeira visual” que as imagens possuem contextualiza a raiz das letras. Como eles mesmos dizem “a gente canta o que a gente vive” seja o sexo exacerbado de grupos e Mcs como Tati Quebra Barraco, Deise Tigrona e o grupo Gaiola das Popozudas ou os funks de protesto como é o caso da dupla Cidinho e Doca do hit “Rap da Felicidade“.

Um ponto interessante que o documentário aborda com propriedade (e nesse sentido é preciso parabenizar a documentarista Denise Garcia por evidenciar os diversos lados da cultura do funk) é que o filme evidencia a evolução do gênero não só no Brasil, mas principalmente ao redor do mundo. Nesse quesito a presença do DJ Malboro é essencial, pois sendo ele a figura responsável por levar o gênero ao maior nível de reconhecimento (inclusive no âmbito internacional como é mostrado no documentário).

A proposta da diretora Denise Garcia é extremamente bem-vinda. Principalmente por quebrar barreiras, desfazer a imagem negativa que essas pessoas tem aos olhos dos outros, são realmente marginalizados. Acredito que o documentário faz muito mais do que entreter e desmistificar os funkeiros. Abre caminho para uma discussão política, social acerca de temas como as favelas e o feminismo muito importantes nesse momento.

Faroeste Caboclo

Durante a sua fase Trovador Solitário as letras de Renato Russo se destacavam por serem narrativas, contando histórias. Uma das maiores letras é Faroeste Caboclo que conta a saga social de João de Santo Cristo e Maria Lúcia. Era desejo de o próprio Renato levar sua mítica música ao cinema, agora “Faroeste” finalmente chega aos cinemas pelas mãos do estreante René Sampaio.

Em “Faroeste Caboclo” (o filme) prima pela desconstrução da lendária música da Legião. O diretor René Sampaio opta por desfragmentar a letra inserindo o mítico personagem João de Santo Cristo (Fabrício Boliveira) no cenário brasiliense dos anos 80.

Com um prólogo inicial com ares de Road Movie e esteticamente belo devido a uma fotografia elegante e a um travelling bem orquestrado, o inicio já é prejudicado pela narração maçante do protagonista. Nada, porém, que prejudique o desenrolar do filme, mas é um elemento realmente chato.

Sampaio soube utilizar a energia da música (que já é cinematográfica por si só) a favor dos belos takes. Ele faz mais, introduziu ao filme um vigor e uma agilidade rítmicas além de induzir o suspense inerente à narrativa muito por causa da trilha sonora composta por Phillipe Seabra vocalista da Plebe Rude (que inclusive está presente na trilha).

O diretor alia a sua agilidade com flashbacks muito bem orquestrados que aumentam a tensão dramática além de colocar o espectador pra dentro da ação do filme, contextualizando as ações do protagonista João (Fabrício Boliveira).

O fato de João e Maria Lucia pertencerem a mundos opostos que se convergem é exemplificado pela montagem de Marcio Hashimoto. A opção pela montagem paralela conduzindo as narrativas dos protagonistas simultaneamente até o surpreendente encontro.

A montagem também engrandece os flashbacks que já são muito bem dirigidos de maneira rítmica e intensa pelo diretor René Sampaio. A opção do diretor pelo corte seco e sobreposições de planos antes ou depois dos flashbacks é um recurso que se revela bastante hábil à medida que revela ao espectador mais sobre a trama e os personagens, além de que o diretor soube contrabalançar os altos e baixos do protagonista bem como os lugares que ele frequenta.

A fotografia a cargo de Gustavo Hadba se destaca pelo forte granulado que imprime as imagens reforçando assim os aspectos de “Road movie” e saga social que o filme apresenta. A fotografia de Hadba destaca as belas imagens captadas pelo diretor especialmente no que diz respeito ao travelling e planos aéreos que o diretor utiliza. Só é uma pena que Hadba em algumas ocasiões opte por escurecer demais determinadas cenas tornando os atores quase invisíveis.

O roteiro de Marcos Bernstein e Victor Altherino desconstrói a música desfragmentando-a para depois recompo-lá em cenas. É visível a preocupação dos roteiristas em contextualizar as motivações do protagonista João de Santo Cristo (Fabrício Boliveira). Os flashbacks, por exemplo, são utilizados principalmente por esta razão.

Os roteiristas dão o embalsamento dramático necessário aos personagens da mítica letra de Renato Russo além de inserir novos. Nas mãos da dupla Bernstein/altherino os personagens e as situações da epopeia dramática ganham força alem da música que inspira o filme.

Os roteiristas reforçam a todo momento as diferenças sociais que separam os protagonistas João (Fabrício Boliveira) e Maria Lucia (Isis Valverde). Além de destacar a rivalidade social e econômica que separam os traficantes Pablo (César Trancoso) e Jeremias (Felipe Abib) que se transformará em uma disputa amorosa por Maria Lucia.

A trilha de Philipe Seabra e Lucas Marcier utiliza-se de diversos gêneros para compor a saga de João de Santo Cristo. A música dotada de certo lirismo dão o tom de Road movie que o filme necessita em muitos momentos. 

O elenco possui boas atuações ao todo com atores que se destacam por menor que seja a sua participação. Fabricio Boliveira soube carregar esse personagem tão mítico na cultura popular e que é o reflexo social do Brasil. Boliveira trabalhou as nuances do seu personagem bem como as suas motivações para torna ló crível. Um talento.

 Ísis Valverde é uma grata surpresa na pele de Maria Lúcia. Tenho que admitir que fui contrario a ideia da atriz interpretar a personagem imortalizada na letra de Renato Russo, mas Isis arrebata o público ao imprimir força na patricinha brasiliense e a atriz foge de todas as armadilhas (e olha que são muitas que seu papel desencadeia). Assim, a atriz foge do lugar-comum ao dar ao seu papel nuances desafiadoras e de bravura extrema.

Felipe Abib constrói Jeremias como um playboy mimado, inconsequente, violento e acima de tudo viciado. Jeremias é dotado de um sentimento de posse e controle sentimentos que Abib imprime ao seu vilão com maestria.

Marcos Paulo que fez sua ultima participação no cinema (ele faleceu em novembro do ano passado) tem uma participação de suma importância na história como Ney, o senador Pai de Maria Lucia (Ísis Valverde). Marcos empresta ao personagem uma grandeza social quase aristocrática sendo responsável pela divisão social que separa Maria Lucia de João (Fabrício Boliveira).

  

César Trancoso dá vida a Pablo o primo traficante de João que o acolhe e o introduz no tráfico assim que ele chega a Brasília. César insere trejeitos ao traficante de gosto duvidoso, tendo o ator uma imensa presença cênica que abrilhanta o filme. A própria dicção do ator de sotaque espanhol da um tom caricatural que é muito bem vindo ao personagem.

A saga social de Renato Russo finalmente ganha um filme a sua altura com uma produção elegante e audaciosa. Tão audaciosa que arrebata o público que implora para que não acabe.

  

21 and Over

Quando um filme faz sucesso é natural que se explore esse mesmo filão cinematográfico ao máximo transformando o filme em uma franquia, copiando ideias ou até mesmo fazendo versões. Esse é o caso de “21 And Over” versão juvenil de “Se Beber Não Case”.

Escrito e dirigido pelos roteiristas do primeiro filme da franquia estrelada por Bradley Cooper “21 and over” trata da premissa de um jovem Jeff Chang (Justin Chon) que acaba de fazer 21 anos e é praticamente intimidado pelos seus amigos Miller (Milles Teller) e Casey (Skylar Austin) a sair pra comemorar. O problema é que Jeff Chang precisa estar sóbrio e mentalmente capaz de realizar o seu exame de admissão de medicina na manha seguinte.

Vendido como “uma versão juvenil de “Se Beber Não Case” 21 and Over” é o primeiro trabalho á frente das câmeras dos roteiristas da famosa franquia de humor Jon Lucas e Scott Moore que também assinam o roteiro desse filme.

A inexperiência da dupla de diretores/roteiristas na direção cinematográfica é algo evidente durante todo o filme. Entretanto Jon e Scott primam pela agilidade apostando no frenesi cênico causado pelas aventuras dos três amigos possam conquistar o espectador.

Lucas e Moore fazem algumas tentativas ainda que tímidas de mostrar seus talentos como diretores. Essas tentativas se revelam falhas á medida que a dupla investe em alguns vícios diretivos como o uso exacerbado e sem sentido do slow motion com a clara intenção de dar um tom iminente de comédia ás cenas.

Se essa é a intenção da dupla de diretores devo dizer que eles atingiram seu objetivo, mesmo que ás custas das situações sem sentido na maioria das vezes. Investido na agilidade tanto cênica quanto narrativa, Jon Lucas e Scott Moore constroem seu filme (ainda que em uma base tão pouco sólida).

O roteiro de Jon Lucas e Scott Moore revela situações e piadas sem sentido, mas que pinceladas pelo talento da dupla ganha algum brilho sem capaz de provocar risos involuntários se você está disposto a rir de si mesmo.

A agilidade com que Jon e Scott conduzem as situações assim como os diálogos é algo realmente impagável (com destaque para as cenas da fraternidade latina). Os roteiristas conseguem construir uma narrativa divertida e envolvente que mais prima pela falta de noção de que pela coerência. Não é nada extraordinário nem que alcance um triz da genialidade de “Se Beber não Case”, mas ainda assim garante boas risadas. O melhor acerto da dupla está em construir a relação entre o trio protagonista. Pois, à medida que eles vão conhecendo as mudanças no velho amigo, conhecem a si próprios.

A música tem um papel de extrema importância em “21 and Over”, pois ela serve para a transposição do espectador para dentro da história servindo como pano de fundo além de ser responsável por grande parte do frenesi causado no espectador.

O trio principal Justin Chon (Jeff Chang), Milles (Milles Teller) e Casey (Skylar Austin) revela um entrosamento cênico além de um ótimo timing pra comédia. Justin, Milles e Skylar também se revelam atores despudorados ao não ter pudores e a habilidade de rir de si mesmos.

Poucos outros atores ganham destaque nesse longa além dos protagonistas. Dos que conseguem se sobressair podemos destacar Sarah Wright que interpreta Nicole a amiga descolada de Jeff Chang que é alvo da paixão de Casey (Skylar Austin). Sarah atua com graça e uma dose escrachada de sensualidade além, de possuir um talento natural para a comédia o que lhe garante algumas das melhores tiradas do filme.

Jonathan Keltz atua como Randy, o namorado de Nicole e a perfeita personificação dos valentões que encontramos no ambiente escolar. Keltz é responsável pelo antagonismo presente em “21 and Over” ainda que sua participação seja pequena infelizmente.

“21 and Over” é capaz de divertir o espectador que abandonar o senso crítico durante o filme. Á custa de uma comédia escrachada e sem sentido Jon Lucas e Scott Moore pouco mostraram á frente das câmeras nesse filme. Mas é justamente a inexperiência da dupla aliado a um roteiro que provoca risos involuntários e ao carisma dos protagonistas que garante o “plus” do filme. Não é nada engrandecedor no nível do primeiro “Se Beber não Case”, mas garante boas risadas se o espectador se permitir a isso.

Rolling Stones –Shine a Light

 Os Rolling Stones é uma das principais bandas de rock inglesa (se não a maior) tendo alcançado sucesso mundial em proporções gigantescas. Dada a sua magnitude foi temas de diversos documentários incluindo esse “Shine a Light” dirigido por ninguém menos que Martin Scorsese.

Tendo como foco principal documentar as apresentações da banda no The Beacon Theatre em Nova York o documentário de Scorsese vai além. 

Desconstrói a própria imagem da banda com os bastidores das apresentações, revelando ao público o que acontece por “trás das cortinas” além de desconstruir a linguagem cinematográfica se posicionando como um “personagem ativo” no documentário colocando o espectador a par da preparação para que o filme se tornasse possível.

Se analisarmos com a devida atenção percebemos que há em “Shine a Light” um processo de desconstrução mutuo.

Ao mesmo tempo em que o diretor nos revela os bastidores da sua realização cinematográfica ele permite aos fãs da banda inglesa penetrar no backstage e conhecer o “outro lado” da banda.

Falando em conhecer o “outro lado” da banda inglesa é exatamente com esse propósito que o rico e extenso material de arquivo que o documentário apresenta. Munido desse material (e através dele) que Martin Scorsese permite a banda desfazer a imagem de “garotos maus” que os perseguiu ao longo das décadas.

O extenso material de arquivo também permitiu ao diretor Martin Scorsese construir um painel atemporal para a banda podendo linkar as entrevistas antigas como quando por exemplo perguntam a Mick Jagger e seus companheiros como eles se imaginam daqui a 20 anos e dadas a suas respostas de que “não existiriam nem pelos próximos 2 anos” é mostrado à performance atual da banda provando sua longevidade. Realmente, uma grande sacada do diretor Martin Scorsese.

O diretor privilegia o uso de planos mais abertos e closes muito bem orquestrados com o intuito de captar a energia e vitalidade performática (e também instrumental) da banda em sua totalidade, revelando assim a sua magnitude. Ao privilegiar a banda Scorsese dá ao espectador a dimensão exata da magnitude da banda inglesa ao fazer uso de grandes takes com o objetivo de captar o palco e o espetáculo em sua totalidade.

“Rolling Stones- Shine a Light” não é só o documentário definitivo sobre os Rolling Stones. Ele vai além. Ao desconstruir a imagem da própria banda e revelar os bastidores do documentário Scorsese desconstrói a imagem da banda e do próprio filme. 

Somos Tão Jovens

Se Brasília foi o epicentro do Rock Brasileiro dos anos 80 Renato Russo foi sem dúvida o seu principal catalisador. Dono de um legado impressionante é natural que sua história um dia fosse contada, especialmente os seus primeiros anos visto que sua formação musical fazem parte da história cultural, social e política do nosso país.

Focado na adolescência de Renato Russo e na formação do Aborto Elétrico e da Legião Urbana o longa se revela um retrato intimista de um artista e de uma era. Centrado na transformação artística e pessoal de Renato Manfredini Júnior em Renato Russo (Thiago Mendonça) e a formação da cena de rock brasiliense tendo como pano de fundo a pressão que sofria a pressão da ditadura militar.

  

O diretor Antonio Carlos da Fontoura buscou traduzir em imagens a agitação e efervescência musical que ocorria naquele período. Para isso Antonio Carlos da Fontoura utiliza planos curtos e uma elipse até excessiva para induzir a rapidez narrativa. Esta opção está longe de prejudicar a narrativa, mas o diretor poderia ter aproveitado melhor os planos dando-lhes maior embalsamento, mas por outro lado a opção pelo corte seco reflete a intensidade momentânea da adolescência vivida pelos personagens.

 De certa forma a decisão de Antonio Carlos foi a mais acertada, pois sua direção transparece vigor, vitalidade e energia incomparáveis permitindo ao espectador construir um retrato intimo do ídolo e a desconstrução de Renato Russo como um mito inalcançável.  

Fontoura confere ao seu elenco uma direção de atores cuidadosa, especialmente nas cenas de musica e do desabrochar artístico de Renato Russo (Thiago Mendonça) e de seus parceiros da “turma da colina”. Atribuindo a estas cenas uma direção coreografada resultando de perfeito entrosamento cênico entre os atores.

O roteiro a cargo de Marcos Bernstein foca principalmente na trajetória evolutiva de Renato Russo (Thiago Mendonça), mas não deixa de privilegiar o enredo em primeiro lugar.  O protagonista “apenas” conduz as demais tramas que giram em torno dele. Os demais personagens se encaixam no espaço narrativo que lhes cabe, permitindo assim que os atores se destaquem com suas atuações.

Há também um cuidado na construção dos diálogos e da reconstrução de eventos reais por parte do roteirista Marcos Bernstein. Os diálogos são de uma linguagem beirando o coloquialismo (o que facilita a identificação do público jovem de hoje que não tem ideia da grandiosidade daquele movimento). A reconstrução de fatos reais impressiona pela verossimilhança. Há um cuidado histórico na feitura das cenas (o show de Patos de Minas e o derradeiro fim do Aborto Elétrico são exemplos disso).

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O elenco inteiro atua com uma naturalidade impressionante. A começar por Thiago Mendonça que interpreta Renato Russo de maneira transcendente. Thiago explora as nuances de seu delicado personagem de forma crescente. Assim ator e personagem vão evoluindo lado a lado. Thiago explora a sensibilidade aguçada de Renato Russo ressaltando o emocional do personagem até que ator e personagem chegam ao seu ápice: A fase “Trovador Solitário” de Renato Russo. Ali, Thiago nos entrega uma atuação magnânima. Sergio Dalcin, Bruno Torres e Daniel Passi que interpretam Petrus e os irmãos Fê e Flávio Lemos respectivamente se sobressaem na respectiva parte do enredo ao que se refere às bandas do Renato. Dalcin interpreta Petrus com o vigor e a fúria que o personagem exige. 

Bruno Torres tem uma presença marcante em cena desde o inicio e seu personagem Fê tem um crescimento cênico muito interessante ao ponto de que a dado momento ele e Renato (Thiago Mendonça) se tornam completos opostos e Bruno soube trabalhar o processo evolutivo de seu personagem com perfeição atuando de maneira verdadeira e convenente.

 Daniel Passi que interpreta Flávio Lemos atua construindo seu personagem de maneira carismática e verdadeira. Flávio ocupa no filme a função de apaziguar os conflitos entre seu irmão Fê (Bruno Torres) e Renato (Thiago Mendonça). O ator desempenha esse papel um tanto quanto ingrato de maneira verdadeira emprestando seu carisma para o personagem. Ao mesmo tempo em que esbanja força e energia inquestionável nas performances de seu personagem com perfeição.

 A turma de amigos de Renato também se destaca pelo entrosamento e naturalidade em que pautam suas atuações. Laila Zaid (Aninha) tem um papel essencial no filme. Laila atua de maneira natural resultando em uma das mais belas atuações do longa. Olivia Torres e Bianca Comparato que interpretam Gabi e Carmen Teresa respectivamente se destacam pela simplicidade de suas ações ao passo que a primeira expõe com veracidade a evolução de sua personagem.  

A música não só da o tom das cenas como contextualiza o momento retratado agindo como fio condutor da narrativa. Assim, tanto a trilha como as performances musicais atuam de maneira determinante na construção da “realidade fílmica” do longa. Ao mesmo tempo em que podemos constatar o surgimento e o contexto social em que muitas músicas de Renato e companhia. Clássicos como “Geração Coca-Cola”, “Veraneio Vascaína”, “Que Pais é este?” e “O Concreto já Rachou” são aqui contextualizadas social e artisticamente.

 Um dos pontos altos de “Somos Tão Jovens” é a fotografia assinada por Alexandre Ermel que atua com dois princípios plásticos distintos, porém complementares. De um lado Alexandre imprime em suas lentes “sujeira visual” que havia naquele cenário dos “filhos da revolução”. Optando por resaltar a força visual e estética daquele cenário agregador. Por outro lado há o uso de um granulado forte que se intensifica conforme o protagonista Renato Russo (Thiago Mendonça) vai evoluindo. A força do granulado é um contraste interessante com o efeito quase “puro” e de desfoque das primeiras cenas do Aborto Elétrico. O desfoque provocado pelo uso de granulado expõe aqui um magnetismo visual intenso e é um símbolo de transição do seu protagonista Renato Russo (Thiago Mendonça). 

Somos tão Jovens” é um retrato intimista não só do nascimento de um artista mas de toda uma geração. É uma produção cuidadosa e simplista que encontra no desafio de retratar uma geração perdida seu maior desafio e êxito pois se a proposta do diretor Antonio Carlos da Fontoura foi fazer um filme agregador das massas ele cumpriu sem objetivo com louvor. O Retrato do tempo perdido.